El escritor oculto, cuyo título original es The Ghost Writer, es la nueva cinta de Roman Polanski, uno de los más importantes directores de cine vivos y quien es responsable de películas tan emblemáticas como Chinatown y El bebé de Rosemary. Con The Ghost Writer Polanski ganó el premio a mejor director en el Festival de Berlín del año pasado y cosechó excelentes críticas gracias al ambiente opresivo de la película, el cuestionamiento político hacia la política británica del ex primer ministro Tony Blair, las buenas actuaciones de los tres protagonistas (Ewan McGregor, Pierce Brosnan y Olivia Williams), el acertado manejo del ritmo narrativo propio de un guión lleno de suspenso e inteligencia y las claras influencias cinematográficas a las que el veterano director hace homenaje.

El título de la película hace referencia a los escritores profesionales a los cuales contratan escritores famosos, celebridades o políticos para escribir autobiografías, cuentos, artículos, novelas u otras obras sin recibir oficialmente los créditos por la obra. Alejandro Dumas utilizo escritores fantasmas para sus obras, García Márquez lo hizo para su libro Noticia de un Secuestro, y es más que probable que Isabella Santodomingo, Patricia Castañeda y otras estrellas de la farándula colombiana hayan usado escritores fantasmas para escribir sus novelas.

La nueva película de Roman Polanski empieza con la contratación por parte de un poderoso grupo editorial y del abogado del ex primer ministro británico Adam Lang de un nuevo escritor fantasma (Ewan McGregor) que termine lo que el anterior, quien murió ahogado, dejó a medio comenzar: las memorias de Lang. Para lograrlo debe mudarse a una isla sombría e inhóspita donde vive el ex primer ministro, superar la presencia invisible de su predecesor muerto y escribir en dos semanas un texto que por su tamaño tardaría normalmente el doble de tiempo.

Como si lo anterior fuera poco, al día siguiente de haber empezado la labor de reescritura y edición, Adam Lang es acusado ante el tribunal de La Haya de haber cometido crímenes de lesa humanidad, dejando a la isla en un asedio constante de la prensa y activistas a favor de los derechos humanos.

Con este marco de referencia, el personaje interpretado por Ewan McGregor siente curiosidad por ciertas inconsistencias en la biografía de Lang y se involucra, casi sin darse cuenta, en una enmarañada historia que involucra geopolítica mundial y un secreto tan enrevesado que puede costarle la vida.

Pocos directores como Polanski saben manejar el suspenso estilo Hitchcock, agregándole además un toque personal de opresión y angustia ante la presencia de un mal omnisciente e invencible. Con El escritor oculto Polanski nos trae una vez más las claves de su propio cine, pero ambientadas alrededor de una situación política actual, recordándonos que cualquier historia, por sencilla que sea, si está narrada con buen pulso y tiene el apoyo de una correcta banda sonora y una fotografía acorde a lo que se desea trasmitir,  puede convertirse en una película notable.

Toy Story 3 es el reencuentro de nosotros, los espectadores, con el vaquero Woody, Buzz Lightyear y todos su encantadores amigos juguetes (los juguetes de Andy), pero sobre todo es una película perfecta, un milagro que se da sólo 2 o 3 veces al año. Su historia está increiblemente bien hilvanada, el homenaje a las películas de fuga de prisión es insuperable, la animación en momentos parece acción real, el desarrollo de sus personajes es tan sólido como el de los protagonistas de una película de Susanne Bier y el Ken fashionista es tan gracioso como Lotso malvado. Por lo anterior, y por las intensas emociones que Toy Story 3 despierta, lo único coherente que se puede escribir sobre la cinta es una sentida carta de amor.

¿Cuál es la mejor trilogía cinematográfica del cine estadounidense? ¿Quizás El Padrino (aunque la tercera es regular), o El Señor de los Anillos (de la cuál cada parte es superior a la anterior), o las tres primeras películas de Indiana Jones?. Pues no, la mejor trilogía de la historia del cine gringo es la saga de Toy Story, la cuál en su tercera entrega combina humor, acción, drama y suspenso en las proporciones justas haciéndola una obra superior incluso a Wall-e. Por eso es la segura ganadora del Oscar a mejor película de animación del 2010 y desde ya se empieza a especular si los miembros de la Academia de Hollywood se atreverán a incluirla entre las nominadas a mejor película, guión original, edición, sonido y banda sonora. 

Sólo Inception de Christopher Nolan compite con Toy Story 3 por el título de película del año. ¿Cuál ganará? En marzo del próximo año lo sabremos, pero sería injusto que si una trilogía inferior como la de El Señor de los Anillos recibió tantos premios, esta maravilla de Pixar-Disney no reciba unos cuantos Globos y Oscares también.

Para terminar esta publicidad cinematográfica no pagada quiero confesar que tras ver Toy Story 3 decidí que así me toque adoptar o alquilar un vientre, el nombre de mi futura hija será Molly y entre sus juguetes tendrá un vaquero, un astronauta, un cerdo y dos muñecos cara de papa con hijos extraterrestres. ¡Voy a abrir un grupo de facebook para todos los hombres del mundo que piensan lo mismo y nuestro primer amigo será la página oficial de Pixar!

‘El Príncipe de Persia’ narra las peripecias del valiente y heroico príncipe Dastan, quien trata de evitar que con la  Daga del Tiempo se destruya el mundo o se altere la línea de sucesión del Imperio Persa. En su misión es acompañado por la hermosa princesa Tamina, quien es la gobernante del reino de Alamut y la guardiana de la Daga y las Arenas del Tiempo. Más para lograr su misión deben vencer a los despiadados Hassanssins y confiar el uno en el otro antes de que sea demasiado tarde.

La película fue filmada cerca de Marrakech, Ouarzazate y Erfoud en Marruecos, locaciones que junto con unas fabulosas animaciones por computadora permiten ambientar la historia en una ciudad (Alamut) que se asemeja a la del califa Haroun Al Rashid. Más esa ilusión de realismo se ve contrariada en las escenas de acción donde el príncipe Dastan hace parkour por los edificios persas al mejor estilo de David Belle y luego se enfrenta a los soldados persas en un mercado sacado de un mal capítulo de Xena La Princesa Guerrera. Otro detalle que da poca veracidad a lo visto en pantalla es la falta de sangre en los enfrentamientos con los Hassansins, aunque debe entenderse como un requerimiento propio de una película Disney dirigida a toda la familia.

Debe enfatizarse –no todo son defectos- que la banda sonora de Harry Gregson, un compositor nominado a los premios Grammy y Golden Globe, es más que correcta, estimulando el deseo de volver a ver la película con los ojos cerrados para escuchar en todo su esplendor temas como Ostrich Race, Return to Alamut, Sands of Time y I Remain (interpretada por Alanis Morissette). En el apartado actoral destaca el gran trabajo físico realizado por Jake Gyllenhaal para sus numerosas escenas de acción, pero se le critica carecer del carisma de un verdadero héroe. Gemma Arterton en su papel de Tamina luce abrumadoramente hermosa y gracias a unos diálogos más afortunados que los de Dastan opaca en varias de sus escenas al protagonista.

En contra de lo esperado ‘El Príncipe de Persia: Las Arenas del Tiempo’, millonaria apuesta que Jerry Bruckheimer y Disney lanzaron este año para suceder a la franquicia de ‘Piratas del Caribe’, ha estado lejos de la taquilla esperada. Quizás los productores subestimaron la falta de una gran estrella del mainstream, sobreestimaron el atractivo de adaptar un juego de video o estrenaron el filme en la temporada incorrecta…aunque también es posible que ante la incertidumbre sobre la calidad final del producto, muchos espectadores se hayan decantado por opciones más seguras (el Robin Hood, de Ridley Scott y Russell Crowe, por ejemplo). La taquilla internacional decidirá si ‘El Príncipe de Persia’ se convierte en trilogía o pasará a ser otra de esas superproducciones destinadas al olvido.

Tony Stark, no era un personaje muy querido por los amantes de los superhéroes y sólo vino a tener su “edad dorada” después del lanzamiento de su primera película, la cual fue brillantemente protagonizada por Robert Downey Jr. Quizás el ser durante sus inicios el más reaccionario enemigo del comunismo dentro del universo Marvel hizo que el personaje cayera “gordo”, más poco a poco las historias que se crearon para Stark dejaron de ser unidimensionales y mostraron la cara vulnerable de un hombre que a pesar de volverse alcohólico y quedar paralítico como consecuencia del disparo de una ex novia, podía derrotar a los peores villanos del mundo sin mucho esfuerzo. Para quien esté interesado en conocer a Iron Man/Tony Stark en sus mejores cómics puede descargarlos en http://archivo-de-comics.blogspot.com/ y ver por si mismo que tan correcta es su adaptación al cine. Para los que no, pasemos de una vez a comentar las virtudes que hacen de Iron Man 2 un blockbuster exitoso y los defectos que la convierten en una mala secuela.

Iron Man 2 comienza con el magnífico final en punta de su antecesora y nos presenta, 6 meses después, a un Tony Stark transformado por los medios de comunicación en la celebridad más grande del planeta. Robert Downey Jr una vez más se “come la pantalla” interpretando al excéntrico millonario-superhéroe y nos recuerda por momentos al verdadero personaje en el cual está basado Tony, el legendario Howard Hughes. El carácter variable de Stark está muy bien construido en el filme y hay veladas alusiones a varias de las situaciones límites presentadas en los cómics de Iron Man (alcoholismo, locura temporal, malas relaciones familiares), sin embargo cuando con calzador introducen un prototipo del escudo del Capitán América, a Nick Fury y a una bella pero insípida Scarlett Johanson en el papel de la Viuda Negra, el clásico defecto de los cómics de querer abarcar más de lo que pueden se toma la pantalla y la emoción de la secuela comienza a hacer agua por todos lados.

Tony Stark se parece al doctor Gregory House -de la serie de televisión House- en su genialidad y narcisismo, pero sobre todo, en la necesidad de que sus historias sean narradas en una primera primerísima persona. Sólo “Pepper” Potts como interés amoroso del protagonista y James Rhodes como su mejor amigo pueden desplazar por momentos a Stark del centro de la narración, ya que sus personajes están construidos para complementar a Tony y hacerlo brillar más. Los nuevos caracteres que aparecen en Iron Man 2 aunque giran alrededor de Stark también deben (por exigencias de futuras películas conectadas con esta) tener vida propia, y darle vida artificial a quien no la merece es uno de los peores errores que se pueden cometer en el cine.

Cuando descargue de Internet Iron Man 2 voy a editar la mayoría de las escenas de Scarlett Johansson y todas las de Nick Fury por innecesarias, aunque dejaré “vivir” a Whiplash (un villano con pinta de chulo) y al bufonesco Justin Hammer (Sam Rockwell). Asimismo repetiré en mi edición especial las escenas compartidas de Iron Man y War Machine, al igual que el espectacular enfrentamiento con Whiplash en Mónaco. Pero a pesar de las personalizaciones realizadas no tendré a Iron Man 2 entre mis películas de superhéroes favoritas y lamentaré el que una vez más se haya cumplido que “nunca segunda parte es mejor que la original”.

La temporada de blockbusters veraniegos empezó este 2010 con Furia de Titanes y tiene este 30 de abril uno de sus puntos más altos con el esperado estreno mundial de Iron Man 2. Pero antes de montarse en la montaña rusa de las grandes producciones de Hollywood es justo y necesario, como dice la Ley del Señor, tomarnos una pausa para disfrutar del mejor cine independiente disponible en Internet (y en alguna que otra videotienda). La película que sugiero para este cambio de aire se llama ‘Cold Souls’ y está protagonizada por Paul Giamatti, a quien recordamos por los filmes ‘American Splendor’, ‘Sideways’ y ‘Lady in the water’, aunque ha hecho papeles secundarios en numerosas producciones de primer nivel.

‘Cold Souls’ parte de una premisa fantástica sumamente interesante: Paul Giamatti, el actor nominado al Oscar y a los Globos de Oro, está sufriendo una terrible crisis actoral debido a no poder interpretar correctamente la obra de teatro ‘El tío Vania’. Buscando superar el bloqueo anímico, Giamatti decide utilizar los servicios de una novedosa empresa dedicada a extraer almas y sin pensarlo mucho se hace sacar la suya descubriendo que tiene forma de garbanzo. Pero con las almas, al igual que con los penes, lo importante no es el tamaño sino el desempeño, y el alma de Giamatti está llena de emociones y sentimientos profundos capaces de cambiar a cualquiera que la porte, como lo comprueba Nina, la mejor “mula” de Rusia.

Es difícil hablar de ‘Cold Souls’ sin hacer spoilers del filme, por eso esta crítica abunda en adjetivos y superlativos esperando sean suficientes para llamar la atención sobre la opera prima de la directora Sophie Bartes, una moderna fábula surrealista que desborda por todos lados sensibilidad artística, reflexión existencialista, actuaciones impecables, una notable dirección de arte y una muy lograda atmósfera opresiva que a nadie deja indiferente. El filme, además, da pie a debates igual de entretenidos a los que ocurren cuando se fuma marihuana envolviendo la hierba en las páginas de ‘El mundo de Sofía’ o ‘Filosofía para dummies’.

El único defecto de ‘Cold Souls’ es que quizás el guión pudo desarrollar más la idea de la extracción del alma y sus consecuencias en el mundo, pero se corría el riesgo de terminar creando una película demasiado metafísica que se hiciera inaccesible al público en general.

La página desde donde se puede descargar gratis ‘Cold Souls’ subtitulada en español, sin llenar ningún formulario, y en excelente imagen, es http://www.sdd-fanatico.org/cold-souls/  Espero que todos aquellos que la descarguen, la compren o la alquilen, también la encuentren digna de un puesto de honor en la videoteca de su casa. En caso contrario, por favor no escriban a insultarme y aguántense unos días mientras Robert Downey Jr llega a salvar el mundo!!!

The hurt locker es una película difícil para el espectador que está acostumbrado a las propuestas bélicas de Hollywood estilo Black Hawk Down o Salvando al soldado Ryan. La cinta durante gran parte de su metraje se narra como si fuera un documental y las escenas de acción aunque técnicamente perfectas carecen de la emoción propia de las “películas de acción” por lo que pierden su carácter de divertimento y se vuelven manifestaciones violentas tan realistas cómo las que vemos en los noticieros cuando se registran las acometidas de la guerra en uno de esos países lejanos por los que todos tenemos compasión.

Como representante del cine bélico se aleja de la vertiente heroica clásica del Hollywood de los 60’s estilo “Donde las águilas se atreven” y “Los cañones de Navarone” acercándose más a la crítica sesuda de la guerra vista en filmes como “Full metal jacket” o “Platoon”. Sin embargo tampoco clasifica con todas sus complejas aristas en esta delimitación, quedándonos solamente un segmento en el cuál catalogarla: el de “cine de autor”, en este caso “cine de autora”.

Kathryn Bigelow, la directora de The hurt locker tiene en su haber la entretenida película de acción “Punto de quiebra”, protagonizada por Patrick Swayze y Keanu Reeves, y la cinta de culto “Días Extraños”, coproducida por su ex esposo James Cameron y protagonizada por Ralph Fiennes, Angela Basset y Juliette Lewis. En su “cuenta en contra” está K-19, con Harrison Ford y Liam Neeson, una producción sin ritmo que resultó ser un estruendoso fracaso de crítica y taquilla. The Hurtlocker es su más ambicioso proyecto y gracias a el ganó el Oscar a mejor película y mejor directora, siendo la primera mujer en obtener tal galardón.

Protagonizada por  Jeremy Renner, Anthony Mackie y Brian Geraghty, The hurt locker es una película incómoda que ha gustado a los críticos de cine pero no tanto a los espectadores, quienes la consideran extraña, atípica, aburrida e incluso tonta, defectos que por supuesto están es en la mente de millones de espectadores alienados por el cine consumista barato de contenido ligero, rápida digestión y olvido. Basada en el guión del escritor Mark Boal, quien engrosó las filas de la escuadrilla de bombas en el ejército de EEUU, narra las vivencias de la brigada de élite que se encarga de desactivar explosivos en Irak y hace sentir en carne propia la actitud temeraria del protagonista (Jeremy Renner)  al momento de realizar su casi suicida trabajo.

Una de las escenas climax de The hurt locker es la lucha desesperada del sargento William James por liberar de una bomba a un hombre iraquí que suplica por su vida y al cuál ningún otro soldado se apresta a ayudar  por miedo a que sea un terrorista suicida.    Esta tensión dramática es la que hace que los espectadores, en palabras del respetado crítico A.O. Scott del New York Times "salgan agitados de ver The hurt locker, agotados y llenos de emociones, pero igualmente con  muchas reflexiones." No es una película fácil, se debe reiterar, pero la ganadora del Oscar 2010 vale la pena.

Puede que no generen tanto fanatismo adolescente como los vampiros de 'Twilight' pero los detectives y los zombies están de moda, y a diferencia de los colmilludos inmortales, siempre han estado y estarán vigentes. El detective Conan, Monk y House son populares variaciones modernas de Sherlock Holmes, y ‘Diez negritos’ de Agatha Christie, protagonizada por Hércules Poirot (otro personaje basado en el detective de Baker Street) es una de las novelas mas vendidas de todos los tiempos con 100 millones de ejemplares. Los zombies, sin embargo, no se quedan atrás y con la ‘La noche de los muertos vivientes’ (1968) de George A. Romero se definieron las características gore de las películas modernas de zombies (privilegiando lo visceral y la violencia gráfica mediante el uso de efectos especiales y exceso de sangre artificial) destacándose títulos clásicos como la trilogía original de los muertos vivientes (dirigidas por Romero) o recientes como ‘Soy leyenda’, ’28 días después’, ‘28 semanas después’ o la macro saga de ‘Resident evil’.  

A finales del siglo XIX Sherlock Holmes fue el personaje de ficción más amado del mundo. Era una tristeza que los jóvenes y adolescentes actuales no supieran de su existencia. Con la versión protagonizada por Robert Downey Jr y Jude Law se rescata a este ícono literario introduciéndolo al panteón de los héroes contemporáneos de la mano del director Guy Ritchie, un experto en películas inglesas de comedia y acción. La repotencialización del clásico personaje, sin embargo, obliga a tener una mente abierta pues aunque Holmes mantiene sus fantásticas capacidades deductivas, prima ahora su faceta de hombre de acción experto en artes marciales y su divertida relación con Watson, la cuál convierte al filme en una entretenida buddy movie al mejor estilo de la saga 'Lethal Weapon' con Mel Gibson y Danny Glover (quizás no sea casualidad que Joel Silver produzca ambas películas).

'Zombieland', aunque en menor medida, también hace una revisión inteligente del subgénero al que pertenece y con una apropiada mezcla de ‘road movie’, humor y acción, refresca la pantalla presentando una película de zombies donde los zombies son sólo la excusa para desarrollar la relación entre los 4 protagonistas y reescribir el concepto de familia en una sociedad literalmente caníbal. 'Zombieland' cuenta además con unas excelentes actuaciones, un guión correcto que sólo hace agua en su predecible resolución y un cameo delirante de Bill Murray que ganaría el premio Oscar a mejor cameo del año si existiera esa categoría.

'Sherlock Holmes' y 'Zombieland' son ejemplos de que Hollywood puede renovar los clásicos sin fracasar en el intento. Así los zombies pueden ser más rápidos y mortales (el cambio lo hizo Danny Boyle en ’28 días después’) y el detective más famoso de la literatura parecer un James Bond victoriano. Después de todo, lo que no cambia está destinado a morir en la vorágine del tiempo.  

Hacer una correcta crítica de Avatar, la nueva película de 400 millones de dólares del megalómano director James Cameron, requiere haber visto la cinta en 3D - preferiblemente en formato IMAX 3D- pues este filme fue creado para ser disfrutado en el tamaño más grande existente y no en una pequeña pantalla 2D de cine tradicional o peor aún en un monitor de computadora de 17 pulgadas. (Como aún no me ha sido posible ver Avatar en 3D, esta crítica es sólo un borrador el cuál actualizaré cuando pueda sumergirme con mis gafas de dos colores en el sorprendente mundo de Pandora).

En Avatar, ubicada en el año 2154, los Estados Unidos –quienes al parecer siguen siendo la primera potencia de una Tierra devastada de naturaleza vegetal-  han descubierto una luna llamada Pandora, rica en un metal en extremo valioso llamado unobtanium (¿dónde estará ubicado en la tabla periódica?) y al mejor estilo de George Walker Bush harán lo que sea necesario para obtenerlo, sin importarles matar la exuberante flora y fauna de Pandora o a la tribu de los Omaticaya (perteneciente a la raza de los Na’vi, una raza humanoide alta, espigada y de piel azul), quienes viven arriba del mayor yacimiento del preciado metal. Para obtener información sobre ellos y poder negociar la entrega del terreno con el unobtanium a los Estados Unidos, los científicos terrestres desarrollaron a los avatares, criaturas compuestas de ADN alienígena y humano, los cuáles poseen aspecto Na´vi pero son controlados vía remota por los científicos (cualquier parecido con Surrogates es pura coincidencia).

Jake Sully, un ex marine parapléjico, ante el asesinato de su hermano gemelo quien era uno de los controladores de los avatares, termina embarcado rumbo a Pandora con la misión de establecer contacto con los Na’vi y ayudar a expropiarlos de sus riquezas. Por supuesto las cosas se dan distintas a lo que Jake esperaba y el amor al planeta y a Neytiri (una Na’vi) lo hacen recapacitar sobre sus objetivos y confrontar su propia humanidad… todo al estilo explosivo propio de James Cameron.

Avatar en 2D es una emocionante película épica que deja al espectador con los colores vibrantes del planeta Pandora grabados en la retina y un mensaje ecológico anti-imperialista dando vueltas en el corazón. Sin embargo (¡siempre hay un pero!) la historia narrada en el filme peca de poco original pues copia gran parte de su estructura dramática de Danza con Lobos (la cinta por la que Kevin Costner ganó un montón de premios Oscar), y aunque lo hace de una manera eficiente, emocionando al espectador, deja un sinsabor de boca ante su desenlace previsible e infantil, quedando muy por debajo de otros trabajos de Cameron como The Abyss, True Lies o Terminator.

Avatar dura 2 horas 50 minutos –en la versión 2D- más en ningún momento aburre, manteniendo un ritmo constante hasta la batalla final en la cuál Jake Sully, nuestro protagonista, demuestra que un marine de Estados Unidos cuando está enamorado y “emputado” es más peligroso que Rambo y Steven Seagal juntos. Muchos críticos preveían de esta nueva incursión cinematográfica de James Cameron un desastre colosal, afortunadamente quedaron desilusionados pues aunque Avatar no pasará a la historia del cine como una obra maestra del séptimo arte, si compite por ser el mejor blockbuster de todos los tiempos. Un blockbuster, recordemos, es una superproducción hollywoodiense cuyo propósito es recaudar el máximo beneficio posible en taquilla, sin importar no tener un objetivo artístico claro, y aunque Avatar está innovando en el uso de los efectos especiales (y por ahí derecho arrasando con la taquilla mundial), realmente no tiene mucho de arte en su esencia y sería un despropósito que resultara nominada a premios diferentes a los técnicos en los Globo de Oro o en los Oscares. Avatar no es Ben Hur, Titanic, ni mucho menos El señor de los anillos: el retorno del rey. Esperemos que el público y la Academia de Hollywood lo tengan bien claro.

The time traveler’s wife, conocida en el mundo hispano por el nombre de Te amaré por siempre, es una curiosa película que mezcla el romance  con toques de ciencia ficción dando como resultado un producto dispar que encanta a nivel emocional pero decepciona a nivel racional. Basada en el bestseller del mismo nombre escrito por Audrey Niffenegger en 2003, la película tiene como grandes aciertos el manejo cotidiano e intimista de la ciencia ficción (muy alejado de los escenarios grandiosos a los que este género nos tiene acostumbrados), la deslumbrante presencia en pantalla de Rachel McAdams y una historia de amor tan lacrimógena como original.

El argumento de Te amaré por siempre trata de un librero de Chicago (interpretado por Eric Bana) con un extraño desorden genético que le hace viajar aleatoriamente en el tiempo cuando está bajo presión. Aunque esa condición le hace desaparecer durante largos periodos de tiempo, él intenta llevar una vida normal con la mujer a la que ama (Rachel McAdams) una joven heredera que intenta adaptarse a la situación.

La película recibió duras críticas en Estados Unidos pero resultó ser un éxito de taquilla pues costó 39 millones de dólares y recaudó en todo el mundo más de 79. La crítica quizás habría sido más benevolente con este filme producido por Brad Pitt y adaptado por Bruce Joel Rubin, el escritor de Ghost, si la actuación de Bana hubiera sido menos plana (todo el tiempo tiene una cara inexpresiva que envidiaría Búster Keaton), el guión desarrollara mejor los caracteres de los protagonistas y algunas preguntas sobre la naturaleza de los cronoviajes se hubieran contestado (¿cómo es que empezó a viajar al futuro si antes sólo lo hacía al pasado?). También molesta el respeto a los cánones de la ciencia ficción clásica que hace del protagonista un viajero del tiempo incapaz de cambiar los hechos pasados (creando paradojas), lo cual es como casarse con Megan Fox siendo impotente.

Más aunque el sentido común señale sin misericordia los ostensibles errores de esta cinta, el corazón rescata con fiereza diálogos y situaciones de primer nivel como el que tienen Claire y Henry cuando este le propone matrimonio o la locura de conocer a una mujer espectacular que sabe todo de ti porque tu se lo contaste y te ama aunque no la conoces.

Te amaré por siempre es una historia de amor para románticos modernos. Por eso uno debe perdonarle al filme todos sus errores y meterse en la piel de los protagonistas de tan extraordinario romance… o verse otra película menos almibarada y más real (un documental, por ejemplo). Además puede ser el comienzo de un nuevo subgénero en el mundo del cine: ¡la ciencia ficción cotidiana!   

‘Bastardos sin gloria’, la nueva película de Quentin Tarantino, es una nueva película de culto de tres horas que ofrece diálogos inteligentes, una historia entretenida con sorpresas a granel (el final es alucinante) y una actuación increíble de Cristoph Waltz como el Coronel Hans Landa que le mereció el premio al mejor actor en el pasado Festival de Cannes.

Tras las sobredimensionadas ‘Kill Bill’ Volumen 1 y 2 y la insatisfactoria ‘Death Proof’, esta incursión bélica nos devuelve al mejor Tarantino (el de Pulp Fiction), quien hace alarde de su increíble capacidad para homenajear al cine italiano, a Hitchcock y al western, en una desenfrenada fantasía cuyos personajes principales están jalonados por una venganza obsesiva y sin límites.  

La primera escena de ‘Bastardos sin gloria’ (una meticulosa entrevista de 15 minutos a un campesino francés realizada por el coronel Landa) engancha de inmediato al espectador  gracias a los penetrantes diálogos construidos por Tarantino y la poderosa actuación de Cristoph Waltz, que sin duda lo hará merecedor de una nominación al Premio Oscar.

Escenas milimétricamente diseñadas, como la de la taberna nazi, testimonian lo que es un director perfeccionista que controla centímetro a centímetro de su obra (a lo Stanley Kubrick) y son el gancho perfecto para comprar el DVD original y poder ver en detalle todo lo que nos perdimos por culpa de un parpadeo en mal momento.

Y aunque Waltz se roba la película con su actuación, Daniel Bruhl (actor de culto desde ‘Good bye Lenin’) logra mostrar en su enfrentamiento final de pocos minutos con Shoshanna –protagonista femenina del filme- la brutal naturaleza impositiva de ese enamorado soldado nazi favorito de Goebbels, el poderoso ministro de propaganda de Hitler, tras haber asesinado desde un ‘nido de pájaro’ a 300 soldados aliados.

‘Bastardos sin gloria’ es una magnífica película llena de rebeldía, amor al cine, buena música (Ennio Morricone, David Bowie), actuaciones impecables y diálogos de antología. Sus defectos son pocos, siendo el mayor las personalidades poco desarrolladas de los soldados americanos vengadores, aunque el cameo del insoportable Mike Myers tampoco tiene justificación.

Jugar con la Historia como lo hace esta superproducción es un placer que no tiene parangón. ¡Bendito sea Quentin Tarantino por hacer con ‘Bastardos sin gloria’ una venganza más grande que la Guerra!